素描六讲#
- date:
2020-03-02 ~ 2020-06-29
- status:
Finished
光影的价值#
光与西方美术史#
西方绘画的分水岭之一：文艺复兴早期马萨乔将光引入了绘画中，创造了体积
备注
为什么古希腊的石像艺术没有为绘画提供（发现光影）的契机？
晓飞老师的观点： 古希腊的石像是彩色的 [1] ，对光的反映不够清晰。 而在文艺复兴时期发掘模仿古希腊石像的时候，其上颜料已经剥落， 露出大理石本来的颜色，为画家的观察提供了良好的条件。
学习光的开始：使用单色的对象 + 明确的打光
了解一下西方写实美术史：从文艺复兴早期到印象派的五六百年，是西方写实艺术的高峰 ，其中出众的艺术家有：
- 文艺复兴：达芬奇
仔细观察自然，仔细寻找规律，不要放过对光起影响的任何信息
- 巴洛克时期：伦勃朗、拉图尔、卡拉瓦乔
注重人物的光
- 枫丹白露画派：柯罗、米勒
走出室外，关注自然光
- 印象派：
对光的研究达到一个高峰
科技发展对绘画中光的影响：
照相技术
室内光（电灯的发明）
光 -> 发现色彩 -> 发现空气
光影的规律#
以佐恩的一系列铜版画作为参考。
原点思维：
从简单的物象开始讨论问题
单色 的物象受光后产生亮部（正受光、侧受光）、暗部（背光、投影）
背光面是物体本身挡住光产生的（背光）
投影面是物体挡住光在另一个物体上产生的（朝光）
一般背光面较浅而投影面深
正受光亮、测受光灰
近受光亮，远受光灰
- 明暗交界线
物体本身受光和背光的界限
- 投影线
另一个物体在物体表面上投影的界限
- 暗部
夹在两条线之间
月亮的阴晴圆缺即体现了球体在不同光线中暗部的形状变化。
看待有光影出现的作品时一定要注意抓住主光源。
打破概念上的绘画：
并非要近实远虚
服从对象，尊重固有色，该深深该浅浅
形体推移形成空间（下一讲）
造型的诞生#
参考书：《查尔斯巴尔格素描教程》，集结了欧洲古典艺术的精髓
两种形状#
写实绘画中值得研究的要素：
暗部的形状
轮廓的形状
其中对于暗部的形状：
明暗交界线的形状由物体本身决定
投影线的形状由两个物体（遮蔽物和被遮蔽物）共同决定，承载了更大的信息量
应用原点思维：
铅笔在不同平面上的影响 -> 投影在 桌面 和 布面 的区别 -> 投影的的形状受复杂的物体主导
两种匹配关系#
暗部的形状要为形体服务：
一个暗部的不同边线分别服务于不同的形体
不同的暗部共同地为同一形体服务
暗部形状与轮廓线的匹配：
建立再对形体的合理分解上
内在构造：骨骼肌肉之于人
外在形态：四肢形态之于人
轮廓线和明暗交界线共同组成了形体
如何分解形体：
先暗部后亮部
先大形体后小形体
先圆（共性）后方（个性）
形体是互相挨着（联系）的
形体往往在凹处汇聚
不要急于了解内部构造：
先观察，寻找共性和个性。
锻炼观察力的方法：观察同类型的物象，从特征突出的个体上总结共性
观察之后再看解剖书
如何找型：
「填铅式画法」的问题：在视觉上 深色收缩而亮色扩张 ， 用目测的方式先画明暗交界线再填暗部会导致型不准
使用工具测量定型
先画一个笼统的型，淡淡地涂上暗部，带着暗部去找型
什么是型准：匹配的、协调的就是准的（提及忻东旺）
造型的魅力：用最少的元素传递最丰富的内容（通过匹配来暗示形体）
造型的逻辑#
造型的逻辑是造型艺术的核心，是解读自然界造型的钥匙。
待处理
哪位大师？
分析了西班牙某大师和佛洛伊德的两张画。
单元形体#
什么是（单元）形体：面的组合关系，形状（形体特征）和方向（颜色深浅变化（受光不一致））
如何分解形体（上一讲提过了）：
内部构造：内部结构的组合关系
外在形态： 结构体块的随机组合和运动
运动：形体之间倾向的联系形成了物体的动态和走势 -> 贯穿各个形体的动态线 （这里的运动可以不是狭义的运动，比如说下垂的肌肉的“下垂”亦是肌肉的一种运动）
结构体块：明确的，大的形体之间的衔接，承载着形体之间的关系 a.k.a 形体的关键点
形体的组合#
观察对象的时候要“对应和对称”地看。对应和对称指的是形体中面的关系。
匹配关系的再次体现：要把面的轮廓线分解到相应的形体上分析（e.g. 鼻孔上的轮廓线）
画胡子不能单纯地画胡子，要注意胡子长在哪个面上
形状丰富：信息量足，倾向明显
寻找匹配比“比例准确”重要：比例存在视觉误差，在微妙的地方使用比例容易出错
造型的表现#
区分看待：
「文学化的美术史」只作娱乐
「专业的美术史」作为绘画的指导
三本重要的美术史的书：
沃尔夫林《美术史的基本概念》（本课重点）
贡布里希《艺术的故事》
W.J.T 米歇尔 or 埃米尔·马勒《图像学》
《美术史的基本概念》列举的重要概念：
线描与涂绘
平面与深度
封闭与开放
多样与统一
清晰与模糊
以上五对概念彼此呼应：
线描总是（体积上）平面化的，（轮廓上）封闭的， 而涂绘总是倾向于营造立体感（深度），往往没有明确的轮廓（开放的）。以此类推。
待处理
读完《美术史的基本概念》再来补充
忻东旺 [2]#
苦学派的艺术家最便于借鉴学习，而天赋派则不然。
资料：
《相由心生》忻东旺艺术作品展
忻的几个阶段：
自学阶段：自我体验式的绘画：多尝试
央美进修：师从王华祥，将错就错的画法 [3] 1993
确定主题：农民工，劳动人民
研究巴洛克 - 尤其是鲁本斯 2006
平面化、光影减少、轮廓具体 2010-2013
忻后期作品的比例显得非常个性化，不协调但鲜活，有尼德兰画派的特点
备注
不要自我局限，不要沉迷于写实 - 技术够用就好，多尝试（技法、风格、媒介、主题），多变化。
要学通而非模仿
终极目标是：研究与自己创作方向相匹配的技术语言 – 但这也是变化的
尼德兰画派 [4]#
荷兰美术和佛兰德尔美术的前身。
代表人物：维登、康平、凡·爱克
中国特色油画#
提及了 🧑🎨毛焰 和 费欣 （为什么提到费欣……）
风格的融合需要建立在对复数风格的掌握之上。
「中国特色油画」和 二十世纪 30-50 年代画家的困境：
绘画史的简单梳理#
晓飞老师认为的欧洲绘画的高峰：希腊、尼德兰
罗马摧毁了希腊艺术
尼德兰 宗教的神性带来的艺术性
文艺复兴注重了科学性，但缺少了艺术性
拉佛尔前派的艺术复兴
工艺美术运动 - 装饰性
现代绘画 - 艺术性的回升，前路未可知
巴洛克艺术
代表人物：伦勃朗、鲁本斯？
主题上走下神坛
容易入手和学习
强调光影：暗部面积大，压缩亮部，轮廓虚
一些范画#
- 荷尔拜因
备注
线条训练的方法：观察十指交叉的手，能否用一根线把两个手指的穿插关系描绘出来
线条训练的线索：
轮廓线（区分可见与不可见的形体）：关注穿插（两个形体紧挨）与叠压关系（空间上不紧挨，但在视角上重叠）
转折线（区分可见形体的内部）：
外转折：凸起的转折线
内转折：凹陷的转折线（形体与形体之间的联系），通常是「暗示」出来而非画出来的
- 安格尔
丰满的、贵族气质的造型审美
- 米勒（巴比松）
走出室内，注重外光
- 李晓飞
飞地时期示范
- 贡布里希
所知 & 所见（记不清了……）
瓦尔堡学院（记不清了……）
形式与语言#
只有 跨界 才能够创新。
图像的来源#
推介画家：彭斯、尹朝阳
画照片没有艺术性，但化用经典的构图方式，照片就在形式上有了高度。 而在借鉴的基础上，应当添加新元素使其具有新奇感。“求奇求新永远是艺术的根基”。 “新”不需要是完全的新，可以是在原有基础上的改动，创作不是从零开始的。
日常时应当学习图像学，多积累和探索形式语言。
待处理
都有什么样的形式语言？
备注
关于西方肖像画的经典姿势和前景总有一个窗户的渊源，可以看看大卫霍克尼《隐密的知识》, 其中讲述了历史上西方利用透镜绘制肖像的故事。
待处理
彭斯的画中出现了马和山水，为何山水不是作为单纯的远景呈现？
模仿性训练 -> 限制性训练
要在绘画中体现文化不能简单地堆砌元素。
意临：观察作品的风格、语言特色，将其利用在自己的写生/创作/练习中。
造型上的对抗：柔和的造型和锐利的造型组合使画面鲜活。
图像的翻译#
如何要轮廓线画得丰富：
对称与对应：注意轮廓线 对称 的形的起伏关系
确定与不确定：通过看确定的形推测不确定的形
精神内核/主题#
对图像语言来说，精神内核是最重要的，精神内核决定了语言的方向。
世界观的养成和完善。
延伸阅读：李晓飞《艺术创作方法课》
天赋与精神#
东亚地区的天赋论。
🧑🎨毛焰：对于 细节的敏感 和 诗人的情怀夏钧娜
忻东旺老师提出：情感结构：从人物的精神面貌出发去观察形体的运动变化。
创作的过程：感性（触动点、出发点） -> 理性（自我控制，把握情感） -> 感性。
《蓝围巾男人》：佛洛伊德会筛选写生的对象，大抵是精神面貌异常的人。
画家对模特的移情：画家表达的并不是模特的情感，而是将自身的情感嫁接在模特身上。
两类天赋#
四类精神#
先天的多愁善感
后天的独特遭遇
开阔的眼界、深厚的学识引发的对人类的悲悯情怀
个人的精神追求
《思维的痕迹》
米凯尔·博伊曼斯
忻东旺
如果你有任何意见，请在此评论。 如果你留下了电子邮箱，我可能会通过 回复你。