素描六讲¶
- date
2020-03-02 ~ 2020-06-29
- status
Finished
目录
光影的价值¶
光与西方美术史¶
西方绘画的分水岭之一：文艺复兴早期马萨乔将光引入了绘画中，创造了体积
注解
为什么古希腊的石像艺术没有为绘画提供（发现光影）的契机？
晓飞老师的观点： 古希腊的石像是彩色的 1 ，对光的反映不够清晰。 而在文艺复兴时期发掘模仿古希腊石像的时候，其上颜料已经剥落， 露出大理石本来的颜色，为画家的观察提供了良好的条件。
学习光的开始：使用单色的对象 + 明确的打光
了解一下西方写实美术史：从文艺复兴早期到印象派的五六百年，是西方写实艺术的高峰 ，其中出众的艺术家有：
- 文艺复兴：达芬奇
仔细观察自然，仔细寻找规律，不要放过对光起影响的任何信息
- 巴洛克时期：伦勃朗、拉图尔、卡拉瓦乔
注重人物的光
- 枫丹白露画派：柯罗、米勒
走出室外，关注自然光
- 印象派：
对光的研究达到一个高峰
科技发展对绘画中光的影响：
照相技术
室内光（电灯的发明）
光 -> 发现色彩 -> 发现空气
光影的规律¶
以佐恩的一系列铜版画作为参考。
原点思维：
从简单的物象开始讨论问题
单色 的物象受光后产生亮部（正受光、侧受光）、暗部（背光、投影）
背光面是物体本身挡住光产生的（背光）
投影面是物体挡住光在另一个物体上产生的（朝光）
一般背光面较浅而投影面深
正受光亮、测受光灰
近受光亮，远受光灰
- 明暗交界线
物体本身受光和背光的界限
- 投影线
另一个物体在物体表面上投影的界限
- 暗部
夹在两条线之间
月亮的阴晴圆缺即体现了球体在不同光线中暗部的形状变化。
看待有光影出现的作品时一定要注意抓住主光源。
打破概念上的绘画：
并非要近实远虚
服从对象，尊重固有色，该深深该浅浅
形体推移形成空间（下一讲）
造型的诞生¶
参考书：《巴尔格素描教程》，集结了欧洲古典艺术的精髓
两种形状¶
写实绘画中值得研究的要素：
暗部的形状
轮廓的形状
其中对于暗部的形状：
明暗交界线的形状由物体本身决定
投影线的形状由两个物体（遮蔽物和被遮蔽物）共同决定，承载了更大的信息量
应用原点思维：
铅笔在不同平面上的影响 -> 投影在 桌面 和 布面 的区别 -> 投影的的形状受复杂的物体主导
两种匹配关系¶
暗部的形状要为形体服务：
一个暗部的不同边线分别服务于不同的形体
不同的暗部共同地为同一形体服务
暗部形状与轮廓线的匹配：
建立再对形体的合理分解上
内在构造：骨骼肌肉之于人
外在形态：四肢形态之于人
轮廓线和明暗交界线共同组成了形体
如何分解形体：
先暗部后亮部
先大形体后小形体
先圆（共性）后方（个性）
形体是互相挨着（联系）的
形体往往在凹处汇聚
不要急于了解内部构造：
先观察，寻找共性和个性。
锻炼观察力的方法：观察同类型的物象，从特征突出的个体上总结共性
观察之后再看解剖书
如何找型：
「填铅式画法」的问题：在视觉上 深色收缩而亮色扩张 ， 用目测的方式先画明暗交界线再填暗部会导致型不准
使用工具测量定型
先画一个笼统的型，淡淡地涂上暗部，带着暗部去找型
什么是型准：匹配的、协调的就是准的（提及忻东旺）
造型的魅力：用最少的元素传递最丰富的内容（通过匹配来暗示形体）
造型的逻辑¶
造型的逻辑是造型艺术的核心，是解读自然界造型的钥匙。
待处理
哪位大师？
分析了西班牙某大师和佛洛伊德的两张画。
单元形体¶
什么是（单元）形体：面的组合关系，形状（形体特征）和方向（颜色深浅变化（受光不一致））
如何分解形体（上一讲提过了）：
内部构造：内部结构的组合关系
外在形态： 结构体块的随机组合和运动
运动：形体之间倾向的联系形成了物体的动态和走势 -> 贯穿各个形体的动态线 （这里的运动可以不是狭义的运动，比如说下垂的肌肉的“下垂”亦是肌肉的一种运动）
结构体块：明确的，大的形体之间的衔接，承载着形体之间的关系 a.k.a 形体的关键点
形体的组合¶
观察对象的时候要“对应和对称”地看。对应和对称指的是形体中面的关系。
匹配关系的再次体现：要把面的轮廓线分解到相应的形体上分析（e.g. 鼻孔上的轮廓线）
画胡子不能单纯地画胡子，要注意胡子长在哪个面上
形状丰富：信息量足，倾向明显
寻找匹配比“比例准确”重要：比例存在视觉误差，在微妙的地方使用比例容易出错
造型的表现¶
区分看待：
「文学化的美术史」只作娱乐
「专业的美术史」作为绘画的指导
三本重要的美术史的书：
沃尔夫林《美术史的基本概念》（本课重点）
贡布里希《艺术的故事》
W.J.T 米歇尔 or 埃米尔·马勒《图像学》
《美术史的基本概念》列举的重要概念：
线描与涂绘
平面与深度
封闭与开放
多样与统一
清晰与模糊
以上五对概念彼此呼应：
线描总是（体积上）平面化的，（轮廓上）封闭的， 而涂绘总是倾向于营造立体感（深度），往往没有明确的轮廓（开放的）。以此类推。
待处理
读完《美术史的基本概念》再来补充
忻东旺 2¶
苦学派的艺术家最便于借鉴学习，而天赋派则不然。
资料：
《相由心生》忻东旺艺术作品展
忻的几个阶段：
自学阶段：自我体验式的绘画：多尝试
央美进修：师从王华祥，将错就错的画法 3 1993
确定主题：农民工，劳动人民
研究巴洛克 - 尤其是鲁本斯 2006
平面化、光影减少、轮廓具体 2010-2013
忻后期作品的比例显得非常个性化，不协调但鲜活，有尼德兰画派的特点
注解
不要自我局限，不要沉迷于写实 - 技术够用就好，多尝试（技法、风格、媒介、主题），多变化。
要学通而非模仿
终极目标是：研究与自己创作方向相匹配的技术语言 – 但这也是变化的
尼德兰画派 4¶
荷兰美术和佛兰德尔美术的前身。
代表人物：维登、康平、凡·爱克
中国特色油画¶
提及了 毛焰 和 费欣（为什么提到费欣……）
风格的融合需要建立在对复数风格的掌握之上。
「中国特色油画」和 二十世纪 30-50 年代画家的困境：
政治动荡 - 在时代的潮流下丢失自我
受教育不足，没有机会接受西方的系统绘画教育，也没有东方的人文素养积累
反面例子：这里就不写了罢
正面例子：徐冰、艾未未 - 家境优渥、书香门第
绘画史的简单梳理¶
晓飞老师认为的欧洲绘画的高峰：希腊、尼德兰
罗马摧毁了希腊艺术
尼德兰 宗教的神性带来的艺术性
文艺复兴注重了科学性，但缺少了艺术性
拉佛尔前派的艺术复兴
工艺美术运动 - 装饰性
现代绘画 - 艺术性的回升，前路未可知
巴洛克艺术
代表人物：伦勃朗、鲁本斯？
主题上走下神坛
容易入手和学习
强调光影：暗部面积大，压缩亮部，轮廓虚
一些范画¶
- 荷尔拜因
注解
线条训练的方法：观察十指交叉的手，能否用一根线把两个手指的穿插关系描绘出来
线条训练的线索：
轮廓线（区分可见与不可见的形体）：关注穿插（两个形体紧挨）与叠压关系（空间上不紧挨，但在视角上重叠）
- 转折线（区分可见形体的内部）：
外转折：凸起的转折线
内转折：凹陷的转折线（形体与形体之间的联系），通常是「暗示」出来而非画出来的
- 安格尔
丰满的、贵族气质的造型审美
- 米勒（巴比松）
走出室内，注重外光
- 李晓飞
飞地时期示范
- 贡布里希
所知 & 所见（记不清了……）
瓦尔堡学院（记不清了……）
形式与语言¶
只有 跨界 才能够创新。
图像的来源¶
推介画家：彭斯、尹朝阳
画照片没有艺术性，但化用经典的构图方式，照片就在形式上有了高度。 而在借鉴的基础上，应当添加新元素使其具有新奇感。“求奇求新永远是艺术的根基”。 “新”不需要是完全的新，可以是在原有基础上的改动，创作不是从零开始的。
日常时应当学习图像学，多积累和探索形式语言。
待处理
都有什么样的形式语言？
注解
关于西方肖像画的经典姿势和前景总有一个窗户的渊源，可以看看大卫霍克尼《隐密的知识》, 其中讲述了历史上西方利用透镜绘制肖像的故事。
待处理
彭斯的画中出现了马和山水，为何山水不是作为单纯的远景呈现？
模仿性训练 -> 限制性训练
要在绘画中体现文化不能简单地堆砌元素。
意临：观察作品的风格、语言特色，将其利用在自己的写生/创作/练习中。
造型上的对抗：柔和的造型和锐利的造型组合使画面鲜活。
图像的翻译¶
如何要轮廓线画得丰富：
对称与对应：注意轮廓线 对称 的形的起伏关系
确定与不确定：通过看确定的形推测不确定的形
精神内核/主题¶
对图像语言来说，精神内核是最重要的，精神内核决定了语言的方向。
世界观的养成和完善。
延伸阅读：李晓飞《艺术创作方法课》
天赋与精神¶
东亚地区的天赋论。
毛焰：对于 细节的敏感 和 诗人的情怀
夏钧娜
忻东旺老师提出：情感结构：从人物的精神面貌出发去观察形体的运动变化。
创作的过程：感性（触动点、出发点） -> 理性（自我控制，把握情感） -> 感性。
《蓝围巾男人》：佛洛伊德会筛选写生的对象，大抵是精神面貌异常的人。
画家对模特的移情：画家表达的并不是模特的情感，而是将自身的情感嫁接在模特身上。
两类天赋¶
先天的天赋
艺术世家
后天的独特遭遇
梵高、蒙克
熊顿
四类精神¶
先天的多愁善感
后天的独特遭遇
开阔的眼界、深厚的学识引发的对人类的悲悯情怀
个人的精神追求
《思维的痕迹》
米凯尔·博伊曼斯
忻东旺
